Isabelle Vrinat

CORPS À CORPS,

​

(Texte écrit pour la présentation  de mes dessins à la galerie Spazio, Sofia, 2018)

 

Nu. Présence. Emotions.

 

Depuis près de vingt ans, d’années, une fois par mois, je fais venir à mon atelier des modèles, - homme, femme, couple -, des inconnus que je dessine et peins sur papier. Ils viennent poser pour moi une fois, deux fois. Exceptionnellement, une relation privilégiée plus longue peut s’instaurer avec certains modèles, comme cela a été le cas avec l’un, conteur et mime, qui est venu à plusieurs reprises raconter des histoires avec son corps, «mettre en corps » une histoire, un mythe, comme celui d’Icare, poser en Bacchus, ou mimer le Combat de Tancrède et de Clorinde, inspiré d‘un madrigal de Monteverdi d’après le Tasse.

 

C‘est à 18 ans, dans la mythique académie de la Grande Chaumière à Paris, que j’ai dessiné pour la première fois mes premiers nus : une modèle posait sur une estrade de bois poussiéreuse, dans une grande salle tout aussi poussiéreuse et encombrée de chevalets, de bancs, d’un vieux poêle et de grandes draperies sans couleurs qui pendaient derrière elle, dans une ambiance silencieuse, tendue et concentrée, chacun penché sur son dessin. Pour la première fois je voyais devant moi une femme nue qui s’exhibait devant une trentaine de personnes, pour la première fois je dessinais une modèle complètement nue, pour la première fois je ressentais une émotion mêlée de gêne et d’étonnement auxquels s’ajoutait le sentiment de transgression ; une émotion rapidement oubliée par l’étude du corps en lui-même et la difficulté à représenter les formes, l’anatomie, la chair, les volumes : le dessin venant comme effacer la présence érotique, ou plutôt l’atténuer en une série de problèmes techniques, de coups de crayon ou de fusain, de reprises, d’effacements, etc. Je ne sais ce qui m’attira le plus : l’ambiance, ou la présence érotique de cette modèle face à des personnes habillées qui la dessinaient en la transformant en objet d’étude ;  ou ce mélange de désir et d’appropriation du corps de l’autre par le dessin.

Trente ans plus tard, cette émotion reste intacte et aussi forte, et se renouvelle à chaque première rencontre avec un ou une modèle.

 

Cette émotion, j’ai appris à l’utiliser : elle alimente la tension que je cherche dans mes dessins et mes peintures. Me servir de l’attraction de ces corps qui posent, s’exposent, s’exhibent ou se recroquevillent, ou jouent avec leur timidité et leur pudeur, pour la transmuer dans mon dessin et dans ma peinture.

En général, je demande à mes modèles de ne pas poser de façon académique, mais d’être naturels ; je leur demande d’alterner entre des poses de tension et des poses de détente, - s’ouvrir , se fermer - à mon regard.

 

Dessiner dans l’urgence, au plus près de l’émotion initiale :

 

J’aime dessiner ou peindre dans l’urgence. Certains dessins captent des poses courtes de 5, 7 ou 10 minutes, qui exigent une rapidité d’exécution pour mobiliser toute mon énergie, toute mon attention, sans reprise, sans repentir, sans contrôle.

Je dessine vite sur de grandes feuilles de papier kraft que je découpe à 1 m x 1,20m, ou sur des feuilles de papier recyclé d’emballage de 80 x 60 cm, froissées et parfois déchirées que je repasse et rafistole ; de grandes feuilles sur lesquelles j’ai suffisamment d‘espace pour faire émerger à grands traits la présence du corps face à moi. Et si mes feuilles sont grandes, c’est que j’ai le désir et l’espoir toujours vains, d’arriver à une substitution de la présence physique et réelle du modèle devant moi, en une présence dessinée au fusain, au pastel sec en noir et blanc, parfois rehaussé de couleurs ; l’illusion que le dessin au final sera «plus vivant» et «plus présent» que le modèle, lequel quittera bientôt l’atelier.

 

Fragilité du papier, urgence du geste et du dessin.

​

J’aime ne pas finir et jouer des possibilités d'ouverture de l'esquisse non finie, de l’expressivité de ce qui se dessine vite, en 7 minutes, pour ne pas perdre la sensation initiale ressentie devant le modèle, coller au plus près de l’émotion.

Car il s’agit de capter un instant, rendre une émotion instantanée, «l’élan avant toute chose» que je ressens fortement en présence du corps nu de celui qui est en face de moi, et qui se transmet à mon dessin. Et, emportée par cet élan, ou cette énergie à dessiner, il m’arrive de faire déborder la figure du cadre de la feuille malgré ses grandes dimensions, une figure que je dessine le plus souvent en gros plan parfois sans pieds, ni jambes ni tête.

​

Rendre la présence corporelle du modèle :

 

Dans ces esquisses réalisés dans une certaine fièvre et urgence, c’est la ligne dessinée au fusain qui prime. Après ces premières poses courtes, je dessine plus longuement, le modèle pose alors 15 à 30 minutes ; c’est sa chair, les ombres et les lumière sur son corps que je cherche à rendre, en noir et blanc ou en couleurs aux pastels secs ou à l’huile.

​

Des corps mis en espace, en narration :

 

Puis il m’arrive dans un troisième temps de reprendre seule, sans le modèle, l’esquisse et de le mettre en espace, et dans une situation narrative. Je peins alors « autour » du corps en essayant de ne pas retoucher celui-ci , de le laisser « dans son jus », car le but de ces séances de pose a été de dessiner sous la présence du modèle, de laisser les émotions, les sensations dicter le dessin, et de ne plus le retoucher hors de la présence du modèle.

Ce travail de reprise ou de mise en situation peut prendre alors plusieurs jours.

 

Un laboratoire d’émotions et d’images :

 

Ces dessins ont plusieurs fonctions : résoudre des problèmes d’anatomie, chercher une pose précise que je reprendrai pour mes tableaux, une expression, une certaine façon de rendre la chair, résoudre des problèmes techniques de dessin, d’incarnation, de clair obscur sur la chair ; comment intégrer ces corps dans l’espace, comment les intégrer dans une histoire, etc.

D’autres, plus aboutis, sont peints pour eux-mêmes. Ou d’autres, malgré leur rapidité d’exécution se suffisent à eux-mêmes, expriment une intensité d’émotion qui me satisfait.

​

Enfin, ce travail d’après modèles m’a permis d’expérimenter la série narrative en plusieurs dessins qui se regardent comme un livre, dans la continuité : c’est le cas de ces deux séries, Jac fait le clown et Le Combat de Jac et de Camille (d’après Monteverdi).

​

Le Combat de Jac et de Camille.

 

« Le Combat de Jac et de Camille » est une série de 9 dessins, chacun réalisé sur papier kraft, fusain, pastels secs et huile, 120 x 100.

Une série narrative en collaboration avec deux modèles, Jac et Camille, sur le thème du « Combattimento di Tancredi e Clorinda », madrigal de Claudio Monteverdi.

 

. L'amour comme un combat.

 

Le thème de la lutte est récurent dans ma peinture depuis une quinzaine d'année, et j'ai souhaité le faire jouer par un homme et une femme, pour évoquer la lutte amoureuse.

 

Pourquoi m'être inspirée du Combattimento ? - Ce que chante le Madrigal de Monteverdi inspiré du Tasse, et qui fait partie des Madrigaux de guerre et d'amour, est que l'amour est une lutte amoureuse, un combat qui se termine tragiquement par la mort de Clorinda, guerrière musulmane, tuée par son amant chrétien qui ne l'a pas reconnue, masquée par son casque.

C'est l'une des plus belles et des plus intenses expressions de la tension entre l'homme et la femme racontée par le Testo / le narrateur, ce témoin auquel je me suis identifiée, de la joute amoureuse qui se transforme en un combat à mort (« guerra e morte » crie Clorinda à Tancredi).

 

. Ce Combat baroque du 17e siècle, j'ai demandé à Jac et à Camille de le rejouer à leur manière, de mimer et de mettre en « corps »  un combat qu'ils ont orchestré et joué devant moi qui ne savais rien à l'avance de leurs poses : ils n'ont pas suivi à la lettre le Combattimento de Monteverdi, ils ont voulu mimer la naissance de l'amour amoureux, la séparation, la lutte amoureuse et la mort du sentiment amoureux.

Chacune de leur poses-performances durait 15 à 20 mn, l'enjeu étant de saisir sur le papier l'émotion dans toute son instantanéité, et la tension de ceux qui jouaient le Combat, à nu devant mon regard. Cette performance a duré trois heures en 9 poses, et n'a été jouée qu'une seule fois dans mon atelier le 15 mars 2016.

 

. Un combat du noir et du blanc.

 

J'ai ensuite repris mes dessins à l’huile en accentuant l'antagonisme du noir et du blanc sur le papier, de l'ombre et de la lumière, antagonisme baroque par excellence.